La danza Irlandesa parte 2

Lo que se conoce como danza irlandesa tradicional tomó su forma actual hacia finales del siglo XVIII.  Hasta ese momento los bailes estaban ligados a las reuniones sociales, y se realizaban en grupo o bien en pareja.

La llegada del Dance Master dio pie a la evolución de las exhibiciones de talento individual. Típicamente era un gran bailarín que viajaba de pueblo en pueblo, acompañado por un violinista o un gaitero y cobraba por enseñar a bailar a los hijos de los campesinos. Los maestros a menudo eran personajes pintorescos, excéntricos en la vestimenta y el comportamiento. Cada maestro tenía un territorio definido, por el que hacía giras periódicas, estableciéndose hasta seis semanas en el mismo lugar. Se cuenta que la rivalidad entre los maestros de danza por el dominio de algunos distritos era tal que se retaban en exhibiciones individuales para determinar quien era mejor en su arte.

La historia de la danza irlandesa no estaría completa sin mencionar la Liga Gaélica, establecida en 1893 para preservar y fortalecer todos los elementos de la cultura irlandesa. Aunque su objetivo principal era la lengua, también  se organizaron clases y competiciones de danza,  y en 1929 se constituyó la An Coimisiún le Rincí Gaelacha.

La Comisión se convirtió en el cuerpo regulador del Baile Irlandés, responsable de su desarrollo, difusión y formación de los profesionales calificados, otorgando títulos a los maestros y jueces. La Comisión organiza los Campeonatos del Mundo, promoviendo la buena conducta, técnica correcta y estilo refinado.

La danza Irlandesa

Sólo hay vagas referencias a la historia temprana de la danza irlandesa. Se cree que sus primeros practicantes fueron los Druidas que bailaban en rituales religiosos en honor a la Encina y al Sol.

Cuando los Celtas llegaron a Irlanda desde Europa central hace más de dos mil años, trajeron consigo danzas con características propias como adoración de la naturaleza, imitaciones de animales, bailes de guerra, de cortejo… Durante más de 900 años ejercieron una gran influencia en la cultura irlandesa. La llegada de San Patricio (432 D.C.) y el cristianismo, que convirtió a los celtas paganos, también transformó sus danzas, realizándose ciertas prohibiciones para darles un aspecto más “civilizado”.

Los Vikingos comenzaron a invadir Irlanda en el año 795, destruyendo muchos libros de los Celtas, incluidos los registros escritos de los bailes.  Las invasiones cesaron en el 1014 y fue entonces cuando el Feisianna fue llevado a cabo por la nueva cultura combinada de celtas y vikingos.

El Feisianna o Feis era una combinación de comercio, reunión política y otros eventos:  deportivos, narración de cuentos, artesanía, música y danza. Los celtas pueden haber perdido sus escritos, pero su danza se siguió transmitiendo de generación en generación gracias a esta tradición.

La conquista anglo-normanda en el siglo XII trajo a Irlanda su cultura y costumbres, y como acontecimiento importante aportó las danzas circulares. Más tarde, en el siglo XV los normandos trajeron Carol a la isla. “Caroling” era una mezcla de canto y baile en la que el líder cantaba y estaba rodeado por un círculo de bailarines que respondían con la misma canción.

Clases de danzas europeas

Son varios tipos de danza folclórica  incluidos el baile del país Inglés, danza folclórica internacional, danza irlandesa, danza Maypole, la danza Morris, baile Nordic Polca, Baile de bastones, baile de plaza y danza con espada. Algunos bailes coreografiados como la contradanza, danzas folclóricas israelíes, la danza del país escoces, y baile moderno occidental, se llaman danzas folclóricas  aunque esto no es cierto en el sentido más estricto. La mayoría de los bailes y danzas de baile se originaron a partir de danzas folclóricas  con el perfeccionamiento gradual en los últimos años.
Las personas familiarizadas con la danza folclórica a menudo pueden determinar de qué país es una danza, incluso si no han visto ese baile antes. Algunos países tienen características exclusivas de de danza, aunque los países vecinos a veces tienen características similares. Por ejemplo, la danza schuhplattling alemán y austriaco se compone de bofetadas en el cuerpo y los zapatos en un patrón fijo, una característica que pocos países tienen. Las danzas evolucionaron a veces mucho antes de las fronteras políticas actuales, por lo que algunos bailes son compartidos por varios países. Por ejemplo, los serbios, búlgaros y croatas comparten el mismo o similar baile, e incluso a veces utilizan el mismo nombre y la música.
Aunque la danza folclórica históricamente fue realizada por la gente común de la cultura local, bailes folclóricos internacionales ha recibido alguna popularidad en universidades y centros comunitarios en los Estados Unidos y otros países.

Danza africana fotos

l final de la estación lluviosa, los Wodaabe, en Níger, celebran durante 7 dias el "geerewol", fiesta en la que los hombres jóvenes, maquillados como mujeres, bailan danzas características de esta celebración.

Danza africana

Al igual que en el resto de culturas, en las culturas africanas las danzas tradicionales están íntimamente relacionadas con las fases de la tierra (cambio de estaciones, desgracias naturales, etc.) y con las fases de la vida (nacimiento, iniciación, matrimonio, muerte, ...).

Hay muchos tipos diferentes de bailes, cada uno hecho con un estilo particular y para un propósito particular. El baile sirve para una gran variedad de funciones rituales y de simple diversión. Algunos bailes sirven para honrar a las fuerzas espirituales en las ceremonias religiosas, mientras otras son propias de las ceremonias concretas de iniciación o pasaje. Hay numerosos bailes sociales, como de competición, bailes militares, o bailes que honran a los jefes importantes.

Bailes africanos, hoy conocidos internacionalmente, como puede ser "la danza del vientre" que se exhiben en espectáculos públicos por todo el mundo,  tienen raíces culturales muy antiguas. La exportación y el mestizaje de los ritmos musicales modernos ha permitido que movimientos de danza africanos se hayan generalizado por otros continentes.

Danza y vestimenta canadiense

VESTIDOS Y BAILES Debido a su diversidad cultural, Canadá no tiene un traje típico, pero entre sus trajes representativos destacan el uniforme de la Real Policía Montada y los trajes de los primeros habitantes indígenas. Entre las danzas folklóricas destacan la cuadrilla y la ronda de parejas, ambas de origen europeo, así como las danzas rituales de los pueblos indígenas.

Danza Paraguaya

Parte de nuestro folklore es la danza paraguaya, una manifestación cultural espontánea de nuestro pueblo, cuyas características y elementos son propios, y se transmite de una generación a otra. Hoy aprenderemos más acerca de ella: su origen, agrupación y el atuendo que deben usar tanto la mujer como el hombre al bailar.
OrigenLos conquistadores, al llegar a América, introdujeron su cultura y, como parte de ella, su forma de bailar, la cual se mezcló con las danzas indígenas existentes en el país; la combinación de ambas dio lugar a la danza paraguaya. Esta fusión entre la danza nativa y la española ocurrió en todos los pueblos conquistados y no solamente en Paraguay; es por ello que muchos países americanos tienen características similares en sus danzas, con variaciones en la coreografía y la vestimenta que distinguen a cada uno de ellos.

Las formas de bailar que ejercieron influencia en las danzas paraguayas son las españolas y las francesas; de ellas se imitan el toreo, los palmoteos y gritos. Pero aun cuando estas formas de bailar provienen de las corrientes europeas, es importante destacar que las danzas paraguayas no son una copia fiel de las europeas; el criollo paraguayo les dio vida, nueva identidad, hasta convertirlas en verdadero arte nacional en el que se refleja el carácter del pueblo: alegre, chispeante, romántico, melancólico, guerrero, tierno y picaresco.

Características
La danza paraguaya forma parte del patrimonio cultural: nos contacta con nuestras raíces y nuestra historia, a la vez que combina las manifestaciones artísticas de otras culturas.

Para la danza, existen las polkas y las galopas. La polka es una danza de parejas, en tanto que las galopas son danzadas por un grupo de mujeres llamadas galoperas, que giran formando un círculo, balanceándose de un lado a otro con un cántaro o un jarrón en sus manos.

Otra variante es la danza de la botella, donde la principal bailarina danza hasta con diez botellas en la cabeza, una sobre otra. También están los valseados, una versión local de los valses, como por ejemplo: el chopí, santa fe, golondriana, solito, etcétera.

Cuando se baila en parejas, se utilizan diferentes estilos de enlace, como el chipa aku rerahaha, ryguasu ajuravoka, ryguasu pepo, ka’i mano, poste ñenohê, entre otros.

Las danzas tradicionales requieren destreza, especialmente de parte de los caballeros, que en los toreos demuestran grandes habilidades para los arrodillados y acuclillados.

Agrupación de la danza paraguaya
DANZA DE LAS MÚSICAS POPULARES: polka, galopa y valseado. Su forma de danza es de parejas enlazadas.

DANZA DE TIPO COLECTIVO: danza de las galoperas. Es la manifestación pura del pueblo, improvisada, tradicional, sin coreografía fija.

DANZA INDIVIDUAL: danza de las botellas; es la única danza individual que se encuentra en vigencia.

DANZAS TRADICIONALES: el chopí o santa fe, palomita, golondriana, londón carapé, solito y cazador. Son las más numerosas, tienen coreografías y músicas fijas. Son de pareja suelta e interdependiente, y en algunos casos, independientes.

Traje tradicional femenino 
TYPÓI: se confecciona en tela de ao po’i, amplio escote bordado de color negro o rojo, mangas de encaje ju.

FALDA: amplia, fruncida, larga hasta los tobillos. Lleva en la parte inferior uno o dos volados fruncidos. La tela es suave, liviana, color tenue o estampado.

ENAGUAS: fruncidas y almidonadas, adornadas con encajes, puntillas que terminan en un moño a un costado. Se acostumbra levantar un poco la falda al danzar, para lucir sus adornos.

PEINADO: dos trenzas sueltas o una, llevando un moño en las puntas, adornada con flores.

ACCESORIOS: aro de tres pendientes con piedras o de filigrana. Peinetas con incrustaciones de piedras. Rosario de oro o plata, collares de coral y de filigrana. Mantilla con motivos florales en hilos de colores. Se lleva en el hombro y anudado en el costado.

Traje tradicional masculino 
CAMISA: blanca, confeccionada en ao po’i, bordada en blanco en el pecho, puño y cuello.

PANTALÓN: recto, de color negro.

FAJA: de seda o lana negra con flecos en los extremos. En la actualidad, se usa la faja de varios colores, hecha de trenzado de algodón que confeccionan los indígenas.

PAÑUELO: en color blanco o negro, anudado al cuello.

SOMBRERO: pirí con cinta negra.

PONCHO: de 60 listas.

Danza árabe

La danza surge en Egipto, en el año 1200/1300 AC, posteriormente con la aparición del Cristianismo es prohibida por dos razones: primero por ser considerada pagana y segundo porque aquí se evocaba a la Diosa Mujer y el Cristianismo instauró el Dios masculino, posteriormente figura que monopolizó y creó la sociedad patriarcal.
Pero los coptos (cristianos provenientes de Egipto) perpetuaron esta danza que realizaban de manera oculta.
Luego esta danza fue ejercida por mujeres esclavas quienes fueron las encargadas de popularizarla, la danza asi salió de los Templos y formó parte de los entretenimientos sociales de la época.
Posteriormente a principios de la Edad Media la llegada del Islamismo volvió a prohibirla hasta hacerla desaparecer. Reaparece a fines del siglo XVIII en los pequeños círculos de esclavas retenidas en los palacios de la antiguos califatos medievales.Las esclavas eran el reflejo del poderío del señor feudal, se cotizaba la belleza y las habilidades de las bailarinas (canto/poesia/recitacion). Cabe destacar la astucia e inteligencia de estas mujeres quienes ejercían mucha influencia en los califas.
La costumbre de entregarle dinero a las danzarinas tambien surge en ésta epoca, se acostumbraba a premiar el talento de la artista con mucho respeto por medio de joyas o monedas, actividad que en la actualidad se sigue realizando.
Las mismas compartían las celebraciones con magos y encantadores de serpientes, los bailes de ellas eran acompañados por unos instrumentos llamados chinchines o zaggats que son castañuelas de bronce, tambien solían bailar con la espada de algún invitado.
Tambien existián otro tipo de bailarinas llamadas "Gawazis o gitanas egipcias", ellas conservaban la esencia espiritual y estética de esta actividad, el origen era Fenicio, Cartaginés, ellas adoraban recorrer grandes distancias y leían la borra del cafe y de las ostras, esta danza tambien tenía un alcance popular y compartían la escena con juglares, adivinadores y personajes famosos de la etapa medieval.
La vestimenta de esta bailarina lleva muchos adornos, brazaletes, colgantes, monedas, colores vivos muy alegres.
A partir de los 40 ya se trata de profesionalizar la danza, se incorpora al ballet y en ésta época se han creado grandes piezas musicales. Hoy en día la danza ya forma parte de los grandes teatros...

Danza española

LA DIVERSIDAD DE LAS DANZAS ESPAÑOLAS

Posiblemente haya en España un millar de danzas o bailes distintos. Sólo en Cataluña se bailaban hace cien años más de dos centenares. En la región del Panadés, por ejemplo, llegó a recoger un erudito veinticinco bailes diferentes.

Sabemos que el baile ha sido desde la Edad de Piedra un signo representativo del grado de cultura o civilización de un pueblo. Los hombres han expresado a través de sus danzas sus sentimientos religiosos, sus costumbres sociales y políticas, sus afanes agrícolas y guerreros, sus amores y pasiones, sus emociones nobles y felices. En la historia de la danza, como expresión humana de sentimientos, España ha ocupado siempre un lugar preeminente.

La más antigua representación de hombres entregados a la danza que ha aparecido en Europa está en las pinturas rupestres de la cueva de Cogull, en la provincia de Lérida. Parece evidente que estas pinturas y otras aparecidas en la misma comarca pertenecen a los primeros tiempos del Neolítico, lo cual da a tales danzas una antigüedad impresionante. Resulta curioso observar cómo, en líneas generales, las danzas del mundo oriental son femeninas, mientras que las del mundo occidental tienen un indudable signo masculino. Bastaría tener en cuenta las danzas astronómicas egipcias, las báquicas, las pánicas, las cretenses, las pírricas o las de las antorchas en las Galias.

Con las naturales limitaciones que ha de tener una afirmación semjante, podría decirse que las danzas del Este de España son ceremoniosas y delicadas; las del Mediodía, vivas y valientes; las del Norte, en particular las conservadas desde el Ebro hasta los Pirineos, de aire guerrero y militar. Los especialistas tienen a estas danzas como herencias de las primitivas propias de las civilizaciones ibérica y griega, y supervivencias de danzas ancestrales bailadas dentro del total de un rito en homenaje a los guerreros muertos. Y en las de sabor religioso hay siempre un aire primitivo que las liga con antiquísimos y desaparecidos cultos a poderosos dioses paganos.

En Asturias y Galicia los bailes populares se acompañan con tamboril y gaita. En Andalucía, con castañuelas. En Vizcaya, con pandero y txistu. En Valencia, con dulzaina. En cataluña, con la cobla, orquesta elemental con tiples, tenores, flaviol y tamboril. Y en gran parte de España, con la guitarra, instrumento nacional, con categoría de universalidad.

Bailarines

Bailarines de Ballet

Bailarines de Ballet

Fotos del Ballet del Bolshoi

Fotos de puestas en escena del ballet

Algunos de los principales bailarines del Ballet

Ballet Bolshoi de Moscu

El Teatro Bolshói es tanto un teatro como una compañía de teatro, danza y ópera con sede en Moscú, Rusia, y una unidad adicional en Joinville, Brasil. 

La palabra Bolshói significa 'grande' en ruso.

Historia

La compañía fue fundada en 1776 por el príncipe Piotr Urúsov y el empresario inglés Michael Maddox. Después de tres años de presentarse en un recinto privado, en 1780 Maddox construyó un nuevo teatro en la calle Petrovka (Teatro Petrovsky), donde se mantuvo hasta el incendio que destruyó al edificio en 1805. El edificio actual, construido en 1825 sobre los restos del Petrovsky, y diseñado por el arquitecto Ósip Ivánovich Bovet es, después de La Scala, el mayor de Europa.

En aquel tiempo, todos los teatros rusos eran de propiedad imperial. Tanto en Moscú como en San Petersburgo había uno dedicado a la ópera y el ballet y otro a las comedias y tragedias. Los de ópera eran conocidos como «Gran Teatro» (Bolshói en ruso), y los de drama eran el «Pequeño Teatro» (Maly). El Bolshói de Moscú se llamaba originalmente Gran Teatro Imperial de Moscú, mientras que el de San Petersburgo era el Bolshói Kámenny Teatr («Gran Teatro de Piedra»), predecesor del actual Mariinski.

El Bolshói fue inaugurado el 18 de enero de 1825 con la representación del ballet del catalán Fernando Sor, Cenicienta. En un principio, era un foro exclusivo para el arte ruso; las óperas presentadas servían como contrapeso a la fuerte influencia italiana del siglo XIX. Entre los compositores predilectos estaba Mijaíl Glinka y, actualmente, todas las temporadas comienzan precisamente con una ópera de Glinka. A partir de 1840 comenzaron a introducirse obras de compositores extranjeros.

Un incendio de 1853 causó grandes daños. El arquitecto italiano Alberto Cavos (hijo de un compositor de ballets, muy conocido en Rusia, Catterino Cavos) llevó a cabo la reconstrucción, que culminó con la reapertura en 1856.

Tras la revolución rusa, el teatro fue rebautizado como Teatro Estatal Académico Bolshói, nombre oficial que conserva. El edificio resultó dañado en la Segunda Guerra Mundial, pero fue rápidamente reconstruido.

El teatro fue cerrado en 2005 para acometer una ambiciosa restauración y rehabilitación, la más grande de las muchas que ha sufrido en su historia. Una vez iniciada, los técnicos descubrieron que la inestabilidad del edificio era mayor de lo esperado, lo que retrasó y encareció considerablemente el proceso (finalmente unos 500 millones de euros). La reinauguración, inicialmente prevista para 2009, tuvo que ser pospuesta varias veces. Los trabajos intentaron recuperar la acústica original de la sala, que se había perdido en gran medida debido a las sucesivas reformas durante la era soviética. Se restableció la decoración original de la reconstrucción de 1856, incluyendo trabajos de artesanía especializados. La capacidad de la sala se redujo a 1740, en lugar de las 2100 que llegó a tener en la etapa soviética, en la que el auditorio se utilizó en algunas ocasiones para actos políticos del Partido Comunista. La hoz y el martillo soviéticos colgados durante décadas sobre la fachada principal, así como sobre el antiguo palco imperial, han sido reemplazados por el águila bicéfala del escudo original de armas de Rusia.1

La reapertura se celebró el 28 de octubre de 2011, con una función de gala. La nueva temporada comenzó el 2 de noviembre con una polémica nueva producción de Ruslán y Liudmila, de Glinka.

Durante la reconstrucción, la actividad de la compañía del Bolshói ha continuado en el Nuevo escenario, habilitado en un edificio aledaño, o en el teatro del Palacio del Kremlin.

Dieta Para Bailarines Continuacion

TIPS
A continuación te propongo una lista de consejos seleccionados de una dieta para bailarines:

- El agua es un complemento necesario de una dieta para bailarines balanceada. Recuerda que tener sed es un signo de ya estar deshidratado. Lo ideal es no esperar hasta entonces sino beber moderadamente con regularidad. Tomar agua es recomendado antes, durante y después de clase, ensayo o función, además de asegurarte de beber al menos un vaso cuando despiertas.

- Sé preventivo y planea la comida que debes llevar contigo para los largos días de clase, ensayos y función.

- Toma un buen desayuno, incluso si no tienes hambre al despertar. No tienes que consumir grandes cantidades, pero deberías ingerir al menos una porción de cada uno de los grupos de alimentos. Esto te ayudará a evitar los grandes ataques de apetito, la debilidad o incluso los malestares durante el resto de la jornada.

- Incluye proteínas en cada una de las comidas principales. Esto no solamente te ayudará a regular enormemente el apetito, sino que asegurará tus reservas de hierro (esto es muy importante para las chicas en particular, ya que ellas tienen la pérdida regular de sangre durante el período).

- Nunca lo olvides: 5 porciones de frutas y/o vegetales diarias.

- Si mantener esta dieta para bailarines es muy difícil para ti, impleméntala gradualmente. Intentar cambiar los hábitos alimenticios de manera radical puede darte demasiado estrés y crea el riesgo de adquirir el síndrome de desorden alimenticio.

- Date gustos cada cierto tiempo (un helado, chocolates, lo que se ajuste mejor a ti). Dicen los nutricionistas que incluir esta práctica puede ayudar a asumir mejores hábitos alimenticios gradualmente.

- El tamaño de las porciones: si crees que estás manteniendo una dieta para bailarines balanceada pero aún te sientes sobrealimentad@, puede ser por una cuestión del tamaño de las porciones que ingieres. Comienza a disminuir el tamaño de todo de manera lenta, proporcional y gradual hasta que sientas que has llegado a un estado saludable.

- Si puedes costearte exámenes clínicos y de sangre cada cierto tiempo, invierte en ellos. Tener orientación médica siempre puede ayudarte a medir tu comprensión y buen uso de esta dieta para bailarines.

Dieta Para Bailarines continuacion

Los siguientes son los cinco grupos principales de alimentos, tal como son reconocidos generalmente y en sus respectivas proporciones diarias:

- Frutas y vegetales (30%)

- Carbohidratos: se encuentran en alimentos como el pan, la pasta, las patatas, el arroz o el maíz (30%)

- Proteínas: carne, pescado, aves, huevos (20%)

- Leche y lácteos: como el queso o el yogurt (15%)

- Grasas y azúcares: mantequilla, aceites, salsas y todo tipo de golosinas (5%)

Esto es en lo que concierne a QUÉ comer y CUÁNTO.

Ahora bien, CUÁNDO comerlo:

De acuerdo con la mayoría de nutricionistas, se recomienda dividir la alimentación en cinco o seis comidas durante el día, en lugar de ingerir grandes cantidades solamente en tres comidas diarias. Esto debería mantener niveles más estables de azúcar en la sangre y por lo tanto ayudaría a evitar enormes ataques de apetito o debilidad, causados por largos períodos de ayuno.

Según esto, puedes tomar las tres comidas principales comunes (desayuno, almuerzo y comida, o en el caso de los españoles desayuno, comida y cena), en proporciones moderadas y balanceadas, de manera que aún puedas comer dos o tres pequeñas meriendas entre ellas.

Idealmente, deberíamos comer algo por lo menos cada tres o cuatro horas durante el período de vigilia. Esto es aún más importante si estarás entrenando y ensayando fuertemente, por lo que no olvides llevar contigo pequeños bocados saludables (como frutas, un yogur o pequeño sándwich), para evitar las grandes subidas y bajadas de tus niveles y ritmo metabólico.

Dieta Para Bailarines Continuacion

L@s bailarin@s deberían mantener una dieta similar a la que necesita cualquier persona. Los ajustes deberían hacerse solamente en la cantidad de alimentos que se consumen, de manera que se adecúen al gasto extra de energía de las actividades físicas y compromisos profesionales de cada uno.

La regla principal de una dieta, con la cual están de acuerdo la mayoría de los nutricionistas es que sea BALANCEADA.

EL balance en la dieta significa que:

1. Comes en la cantidad apropiada de cada uno de los grupos de alimentos.

2. Las cantidades son adecuadas para cada bailarin@ y su gasto diario de energía.

El balance es el QUÉ - CUÁNTO y CUÁNDO apropiados para ti. Esto significa que las cantidades de comida son siempre relativas a tu tamaño y la cantidad de energía que gastes.

Dieta Para Bailarines Continuacion

QUE - CUÁNTO - CUÁNDO

Ahora bien, es muy importante recordar que los efectos de nuestra manera de alimentarnos no se limitan a darnos fuerza bruta y física o a volvernos delgados u obesos. El modo general en el que nos alimentamos determina nuestras habilidades mentales y estado de ánimo tanto como a nuestras diferentes posibilidades de gastar energía.

Por lo tanto, es aún mas importante ser cuidadoso al respecto, ya que un@ bailarin@ necesita los tres componentes para ser capaz de ejecutar las difíciles rutinas coreográficas o soportar nuestros largos días de trabajo (de clase, ensayo y función…).

Dieta Para Bailarines continuación

Un valor importante de la danza contemporánea es el hecho de que admite un campo inmenso de posibilidades creativas y expresivas, el cual incluye y acepta al cuerpo humano en sus múltiples facetas. Por esto, la construcción de cuerpos ideales, estereotipados o de acuerdo con la moda y el mercadeo no es una regla entre nosotros, e incluso es a menudo algo rechazado.

Por lo tanto, voy a describir una dieta para bailarines que se focaliza en el mantenimiento de la salud y en la capacidad efectiva para desempeñarse como intérprete. Esto no evita que, en un largo plazo, los bellos cuerpos que la gente tanto admira, puedan aparecer como un efecto secundario de su aplicación apropiada.

Alimentarse, junto con respirar, es una de nuestras dos maneras de adquirir la energía básica para estar vivos. Pero, la manera en que esa energía tiene un efecto en nosotros no depende solamente de lo que comemos. También depende del momento en que ingerimos los alimentos y de la cantidad (o dosis) de cada ingrediente que consumimos.

Dieta Para Bailarines

Cómo alimentarse es una pregunta usual entre l@s bailarin@s. Las personas externas a nuestra comunidad también preguntan con frecuencia acerca del tema, pues asocian la belleza y la salud del cuerpo de algun@s bailarin@s con su manera de alimentarse.


Hasta cierto punto esa asociación puede ser cierta pero, como has de saber, ese cuerpo saludable y eficiente necesita ser cultivado con una aplicación razonable de tanto una dieta balanceada como de una practica de danza que sea adecuada a cada persona. No existe una ‘dieta mágica de la danza’ o una ‘manera secreta de alimentarse’ entre los bailarines. En lugar de ello, lo que construye la tan aclamada belleza de l@s bailarin@s es una manera saludable de vivir en general, de la cual la dieta para bailarines sólo es una parte.

Puedes estar pensando en el ballet, ya que muchas personas admiran la delgadez de sus bailarin@s. No es una regla, pero intentar ser tan delgado implica un alto riesgo de adquirir desórdenes alimenticios. Esto es una amenaza real para la salud de cualquier persona, por lo tanto es muy importante que l@s bailarin@s entiendan que una dieta deliberada debería pretender primordialmente darles salud y eficiencia por encima de objetivos estéticos.

Requisitos para ser bailarina

Requisitos que piden algunas escuelas para ser bailarina profesional, como son: 

1.- Mucha elasticidad
Este punto, como lo dice tienes que tener cierto nivel de elasticidad, en cuanto a piernas, brazos, cuello, y todas las extremidades, ya que si no tienes esto, no sera posible que realices los movimientos como debes. 
2.- Constancia en su trabajo y por supuesto esfuerzo: 

Como bien dicen por ahí, con la practica se hace al maestro, así que si eres constante, si practicas, si te esfuerzas es más facil que logres tu objetivo. 
3.-Condición física: 

La condición física consta de el soporte que tiene la persona para realizar una actividad, es decir, si se agita rápido, si aguanta más actividad.
4.- Resistencia: 

Podrás pensar que resistencia es lo mismo que condición física, pero en este concepto quiero referirme a resistencia al dolor, ya que esta es una danza que consta de sufrir dolores por así decirlo, de espalda, de brazos y sobre todo de pies. 
5.- Estar delgado, aproximadamente de 45 a 55 kilogramos! 6.-Tener estatura promedio. (Es decir, no ser bajo) 

Lo que implica ser bailarina de ballet

¿Sabes por todo lo que tienen que pasar los bailarines de ballet? 

El ballet no solo es una danza muy hermosa y delicada, también implica una serie de estrictas normas que los bailarinas deben seguir. Hay una gran presión por mantenerse delgada con un porcentaje muy elevado de chicas con anorexia y conductas irregulares respecto a la comida. Lo que lleva a estas chicas a presentar trastornos reproductivos, y presentar graves depresiones ante el miedo a ganar peso.
El ballet se ha caracterizado por una serie de normas muy estrictas sobre la apariencia de sus representantes. 
Bien es sabido que las modelos ahora deben antes de desfilar pasar por la báscula para demostrar que están saludables y mantienen un índice de masa corporal correcto. Pero el ballet es un mundo en el que se debería poner atención que sus bailarines cumplan con una nutrición saludable, dando incluso como asignatura en las escuelas de ballet Nutrición. 

Pasos del Ballet

DEVELOPPÉ:

Desarrollado. El desarrollo de un movimiento en tempo, mediante la elevación pausada de una pierna hasta la altura de la rodilla de la pierna de apoyo, para ir despus abriéndola suspendida en el aire hasta sostenerla controlada en posición con elegancia. Las caderas deben mantenerse niveladas y sin retorcer.

Posiciones y Pasos del Ballet

COU-DE-PIED:

Cuello del pie.  SUR LE COU-DE-PIED - En el cuello del pié. En el método Cecchetti, SUR LE COU-DE-PIED devant  es la posición de trabajo del pié colocado con la parte de fuera del talón, frente al pié 

soporte justo por encima del hueso del tobillo, con los cinco dedos apoyados en el suelo en media punta. Sur le cou-de-pied-derriere es la misma posición con la parte interior del tobillo colocada detrás del pié soporte justo encima del hueso del tobillo.

Pasos y Posiciones del Ballet

BARRE: Practica de ejercicios donde le bailarín se apoya sobre una barra de madera fijada  en la pared de la clase, a una altura y separación determinada.

Pasos y Posiciones del Ballet

ARABESQUE:

Una de las posiciones básicas en ballet clásico.  El cuerpo de perfil, apoyado en una pierna extendida hacia atrás y las manos colocadas en varias armónicas posiciones, para crear las línea mas larga posible desde la punta de los dedos de la mano a los dedos del pié. La escuela Cecchetti tiene cinco arabesques preferentes, la Vaganova cuatro.

     

Vocabulario Del Ballet

ADAGIO

Una serie de ejercicios que consisten en una sucesión de movimientos lentos y elegantes que se realizan en solos o acompañados. Estos ejercicios sirven para desarrollar una fuerza sostenida, sentido de línea, balance y elegancia que permiten al bailarín el danzar con majestad y gracia. Culminación en el pas de deux, donde la bailarina es ayudada por el bailarín para lograr movimientos delicados y elevaciones exquisitas.

La danza Jazz

danza jazz

La danza jazz es uno de los estilos de baile que comenzó en el siglo XX,la palabra jazz proviene del antiguo francés y significa vitalidad.
En el siglo XIX surge el fenómeno musical que los negros practicaban y se llamó jazz, por el siglo XX la danza adoptó ese nombre jazz por la música que se escuchaba, además de utilizar también este estilo musical o algunas de sus variaciones.
Entendamos que danza jazz son las danzas sociales y artísticas, en ellas encontramos todas las danzas de carácter social, espectáculo, show, urbanas, callejeras, videos musicales, ballets de cantantes, etc. Los estilos son el tradicional, gopel, funk y el mas sofisticado el de Broadway.
Algunas características de la danza jazz:
- Tiene elementos de la técnica del ballet clásico, danza moderna y del claqué.
- Acentúa la líena corporal y el trabajo del torso, junto con moviemiento de los hombros
- Las piernas realizan un trabajo de gran rapidez con una mezcla de diveros pasos
- Trabajo de coordinación entre los movimientos de hombros y piernas a diferentes ritmos
- Los pies van en paralelo( contrario al ballet clásico)
- Exige un estilo personal por parte de cada bailarín y capacidad de
improvisación
Los precursores de la danza jazz los encontramos en la danzas de los negros, en cuento hemos mencionado las danzas sociales ya que las danzas sociales en el siglo xx tomaron varios elementos de las danzas de que bailaban los negros, esclavos y africanos, también encontramos elementos del hip-hop, del Break-dance, disco, twist y swing.

Las zapatillas de Ballet

Zapatillas de ballet

Las zapatillas de ballet, son zapatillas ligeras diseñadas específicamente para la práctica del ballet. Se hacen de cuero, lona, o satén suave y tienen suelas finas y flexibles. Los zapatos de ballet están tipicamente disponibles en rosa, negro, gris o blanco. Tradicionalmente, las mujeres los llevan rosados y los hombres blancos, mientras que los colores carne o marrones que dan la apariencia de bailar descalzo son llevados tanto por hombres como por mujeres.

Los bailarines de ballet principiantes y los bailarines de ballet menores de aproximadamente doce años llevan zapatillas exclusivamente mientras entrenan y actúan, mientras que las bailarinas de sexo femenino más avanzadas pueden llevar zapatillas de ballet o zapatillas en punta cuando las circunstancias lo requieren. A los bailarines jóvenes les está restringido el uso de zapatillas de ballet hasta que se osifiquen sus huesos y sus músculos sean suficientemente fuertes para poder bailar en punta. Los bailarines de sexo masculino llevan casi siempre zapatillas de ballet suaves, pues raramente bailan en punta.

Las escuelas de ballet imparten tipicamente clases de técnica, en las cuales los bailarines llevan solamente zapatos de ballet llamados media punta , y de punta, en que los estudiantes llevan primero los zapatos de ballet para calentar en la barra, y después cambian a zapatillas de punta para los ejercicios de centro. Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes de permitir que sus bailarines vayan en punta.

La Historia del Ballet

El ballet (del italiano balletto, diminutivo de ballo; en español baile), danza académica o danza clásica es una forma concreta de danza y también el nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria.

Pintura de ballet de Edgar Degas

El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los seis o siete años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.

También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes escénicas.

“No se puede amar a alguien que te insulta o te hace sentir mal, no se puede amar a alguien que te hace llorar y no es de felicidad, abre los ojos y date cuenta que esto no significa amor”, 

“El amor de una madre es un amor tan más puro y sagrado, el cual debemos de respetar con todas nuestras fuerzas, pues basta con el esfuerzo que ha hecho por sacarnos adelante y sin contar que gracias a ella estamos hoy aquí, te amo madre”,

“No es de perdedores fracasar, es de perdedores no ser capaces de aceptar su derrota… Y es de admirar aquellas personas que pierden, lo aceptan y vuelven a intentarlo”

El perdón es un sentimiento muchas veces complicado, pero hay algo que acostumbramos a pasar por alto y es que… El perdón es un sentimiento que nos limpia el alma, pues cuando no perdonamos, nos llenamos el corazón de odio y rencor y nosotros somos los que terminamos haciéndonos daño”

“Muchos creen que puedo ser un ignorante, en parte es cierto, todos somos ignorantes, solo que no ignoramos lo mismo, sin embargo, puedo parecer ignorante porque cayo, aunque en realidad soy consciente de las cosas y detalles de la gente… Solo que en veces les doy la oportunidad de cambiar y cambien su forma de ser para conmigo”

“Cuidado con juzgar a las personas que hacen algo mal, porque nunca se sabe, cuando te tocara que te juzguen tanto por tus actos erróneos como por juzgar a los demás.”,

“Cuidado con juzgar a las personas que hacen algo mal, porque nunca se sabe, cuando te tocara que te juzguen tanto por tus actos erróneos como por juzgar a los demás.”,

“Los temores e inseguridades, que albergan mi alma, son por el rechazo,  pero ya aprendí a esquivarlas,  salir adelante, y reconocer que el mayor enemigo no es mi adversario, si no yo mismo”

“Cuando la vida te sonríe y te conocen tus amigos, recuerda cuantos de ellos, aun  siguen cuando los tiempos sean adversos, ahí los conocerás tu a ellos”

 Que tus sueños sean inalcanzables, porque si sueñas con cosas pequeñas, es posible que obtengas cosas aún más pequeñas que las que soñaste, en cambio sí sueñas con cosas inalcanzables, muy seguramente alcanzaras sueños muy grandes, siempre aspira a más de lo que te pongas como meta”,